El culto al olvido: La CIA, los expresionistas abstractos y Kant

La evolución y el debilitamiento del arte

Desde las pinturas rupestres de las Cabezas de Caballo hasta el arte figurativo actual, el arte visual tiene que ver con la percepción y el tema. Nosotros, los artistas, y nuestros antiguos antepasados, observamos el mundo que nos rodea, nos centramos en aspectos importantes de él, lo digerimos y luego, en actos de pasión, expresamos nuestra visión de la humanidad. El arte visual está inextricablemente ligado a la evolución humana; sus mejores ejemplos fomentan nuestro potencial como seres humanos. El arte visual refina nuestras percepciones, explora nuestros potenciales emocionales y expande nuestras mentes. Pero en el último siglo el arte ha sido objeto de ataques.

A mediados del siglo XX, estas tres fuerzas -la filosofía de Kant, los expresionistas abstractos y la CIA- se unieron aparentemente para defender la libertad y la originalidad, pero en su lugar lograron socavar el arte y, en consecuencia, la humanidad. Las conexiones y maquinaciones son tan complicadas y obtusas que es difícil tomárselas en serio, pero sí es importante comprenderlas, al menos en el sentido de si nuestra cultura evoluciona o no.

El progreso no es automático

Hay algunas cosas que están incrustadas en nuestro ADN, como el sexo y la conciencia, pero el arte es una de las más poderosas. Se ha dicho que la especie humana no tiene instintos, que tenemos que tomar decisiones, cometer errores y pensar en el futuro. Podemos implosionar, explotar guerras, exterminar poblaciones y suicidarnos. No hay garantías de que los filósofos, los expertos, las instituciones gubernamentales y los artistas acierten. Y sólo estamos a unas pocas explosiones nucleares de la erradicación. Es una obligación aleccionadora que tengamos que elegir y posiblemente equivocarnos trágicamente y a veces acertar maravillosamente.

Ciencia visual y corazón

Este boceto de da Vinci representa todo lo grandioso de la humanidad y el arte: habilidad, descubrimiento, conocimiento, luz y sombra, ciencia, empatía, humanismo, belleza y ausencia de esfuerzo. Lo interesante es que esta obra nos eleva y puede inspirar nuestras aspiraciones más ambiciosas, ya sea para la ciencia, el corazón o ambos. El casi contemporáneo de Da Vinci, Vasari, escribió sobre él:

El carácter de Leonardo era tan amable que se ganaba el afecto de todos... su magnífica presencia reconfortaba al alma más atribulada; era tan persuasivo que podía doblegar a los demás a su voluntad. ... Era tan generoso que alimentaba a todos sus amigos, ricos o pobres... Con su nacimiento, Florencia recibió un don muy grande, y con su muerte sufrió una pérdida incalculable... un artista de una belleza física excepcional que desplegó una gracia infinita en todo lo que hizo y que cultivó su genio con tanta brillantez que todos los problemas que estudió fueron resueltos con facilidad.

El camino hacia el olvido

Nos guste o no, hemos sido empujados a un mundo postmoderno, un mundo de sarcasmo, cinismo, antivalores y desconexiones de la razón y el corazón. El posmodernismo como ideología no se parece a nada con lo que la mayoría de nosotros estemos familiarizados; "hazlo lo mejor que puedas... juega limpio... cuando algo esté mal no esperes sino empieza a arreglarlo". El postmodernismo no vive según esos valores, es toda una estructura construida sobre la envidia. Ninguna persona decente, y especialmente los jóvenes, deberían tener que lidiar con ella, pero se ha abierto camino hasta dominar la educación, las artes y la política. Puesto que nos enfrentamos a ella a diario, tanto personal como socialmente, es importante afrontarla de frente, comprenderla, descartarla y seguir adelante con auténtica creatividad.

Rothko y Pollock

Los principales pintores expresionistas abstractos, como Mark Rothko y Jackson Pollock, eran borrachos suicidas que eliminaban de sus cuadros la forma, la luz, el realismo, la coherencia, la humanidad, la proporción y la inteligibilidad, y sólo dejaban la espontaneidad del vómito de pintura y los campos de color sin sentido. Pollock tenía fama de beligerante, se peleaba a puñetazos con las puertas de los baños y, en el apogeo de su carrera, se mató con uno de sus pasajeros al chocar a 130 km/h contra un árbol. Tenía 44 años. Del mismo modo, Rothko era un borracho empedernido y se suicidó con una sobredosis de antidepresivos y cortándose el brazo con una navaja.

Tanto Rothko como Pollock son elogiados por su originalidad y sublimidad. Timothy Martin, de la Tate, escribe que Rothko "...apela a su sentido interno de lo sublime...".

Rob Woodard del Guardian: "...Pollock no sólo cambió para siempre el 'vocabulario' del pintor, sino que realmente trascendió la forma y las nociones tradicionales de composición para emerger en un reino que era a la vez profundamente original y sublime".

Peter Schjeldahl del New Yorker se explaya sobre Autumn Rhythm (Number 30) [Ritmo otoñal (Número 30)] [1950], de Pollock, calificándolo de "orquestación cantarina de gotas de esmalte negro, blanco, marrón y verde azulado: material contundente e, inextricablemente, sublime".

Resulta paradójico que muchos críticos fueran conscientes de las grietas mentales de estos expresionistas abstractos y de su escapismo alimentado por las drogas, pero aun así consideraran sus productos como logros sublimes, lo que dio lugar a la romantización de los artistas torturados, desordenados y no objetivos.

Kant, el genio del mal y el mayor engaño del mundo: cambiar el olvido por lo sublime

Los artistas del siglo XX adoptaron un nuevo ideal de genio que se parece mucho al de Kant, según el cual el artista no es ni científico, ni perspicaz, ni introspectivo. La educación del artista es irrelevante y las influencias no importan porque el artista genial simplemente nace así. Y el producto de ese genio se eleva hasta tal punto que se convierte en un estándar y un prototipo para artistas menores, de segunda categoría.1

Cuando se combina la visión del genio de Kant con su oda a lo sublime se obtiene un resultado inquietante. Lo Sublime de Kant se reduce a secularizar a Dios como innombrable, etéreo, incognoscible, ilimitado, más allá de nuestros sentidos y comprensión y, sin embargo, el estado último de la experiencia humana, que también se siente como un violento trastorno. La antítesis es que la habilidad, la excelencia, la belleza, la percepción sensual, los temas, los clímax y los desenlaces son productos humanos triviales y no merecedores de un estatus enrarecido. Su concepto de lo sublime se infiltró en la inteligencia, como Clement Greenberg, que entonces juzgaba a los expresionistas abstractos como dignos de veneración. Mientras que el elefante en la habitación era que los expresionistas abstractos amputaban sus corazones, mentes y sentidos dejándolos en estados infrahumanos.

Cuidado con la psicología de la CIA

El apoyo clandestino de la CIA y la promoción de los expresionistas abstractos como lo último en "valores americanos". La CIA pensó que promover la originalidad y la libertad del expresionismo abstracto era el complemento cultural perfecto para combatir el comunismo. La CIA organizó y financió exposiciones contemporáneas en museos internacionales y estadounidenses, pero como el público estadounidense no quería saber nada, lo hizo a escondidas. El director de casos de la CIA, Donald Jameson, comenta que "asuntos de este tipo sólo podían hacerse a dos o tres bandas". La CIA creó colaboraciones clandestinas con patrocinadores adinerados, utilizando sus nombres para dar credibilidad pero sufragando en secreto los gastos.

Frances Stonor Saunders en un maravilloso artículo "Modern Art was a CIA Weapon" escribe:

El Congreso para la Libertad Cultural también proporcionó a la CIA el frente ideal para promover su interés encubierto por el Expresionismo Abstracto. Sería el patrocinador oficial de exposiciones itinerantes; sus revistas proporcionarían plataformas útiles para los críticos favorables a la nueva pintura estadounidense; y nadie, incluidos los artistas, se enteraría.

Esta organización organizó varias exposiciones de expresionismo abstracto durante la década de 1950. Una de las más significativas, "The New American Painting", visitó todas las grandes ciudades europeas en 1958-59. Otras exposiciones influyentes fueron "Arte moderno en Estados Unidos" (1955) y "Obras maestras del siglo XX" (1952).

El Expresionismo Abstracto resultaba caro de trasladar y exponer, por lo que se recurrió a millonarios y museos. Entre ellos destacaba Nelson Rockefeller, cuya madre había cofundado el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Como presidente de lo que él llamaba "el museo de mamá", Rockefeller fue uno de los mayores defensores del Expresionismo Abstracto (que él llamaba "pintura de libre empresa"). Su museo fue contratado por el Congreso para la Libertad Cultural para organizar y comisariar la mayoría de sus importantes exposiciones de arte.

El museo también estuvo vinculado a la CIA por varios puentes más. William Paley, presidente de la cadena de televisión CBS y padre fundador de la CIA, formaba parte de la junta de miembros del Programa Internacional del museo. John Hay Whitney, que había servido en la OSS, predecesora de la agencia en tiempos de guerra, era su presidente. Y Tom Braden, primer jefe de la División de Organizaciones Internacionales de la CIA, fue secretario ejecutivo del museo en 1949.

Los directores y conservadores de los museos, los responsables de las exposiciones, así como muchos críticos y reseñistas de arte, eran marionetas de la CIA, lo que pone en entredicho cualquier integridad que pudieran haber tenido.

La incursión masiva de la CIA en la propaganda cultural prácticamente destruyó el conocimiento de las artes visuales. Siguiendo el ejemplo de los grandes museos, los departamentos de bellas artes de los años sesenta, setenta, ochenta y hasta los noventa rara vez o nunca enseñaban los fundamentos de las artes visuales, como el dibujo al natural. Los estudiantes adolescentes no tenían ni idea de que sus vacuos e imbéciles profesores de arte estaban librando una guerra psicológica masiva contra ellos, una guerra que destruyó las esperanzas y los sueños de generaciones de aspirantes a artistas, sin duda genios en potencia entre ellos, que abandonaron el arte como consecuencia de ello. Yo fui uno de los miles de adolescentes que tuvieron que soportar a patéticos "profesores" de arte carentes de conciencia, habilidad o conocimientos. No sólo no tenían ni idea, sino que muchos se ensañaban con el arte figurativo y representativo. Esto sigue ocurriendo en escuelas prestigiosas, como las facultades de arte de Yale o Harvard.

Envidia

Creo que el denominador común de todos estos actores negativos es la inseguridad psicológica. No se trata de los objetivos declarados de ilustración, libertad, guerra fría o sublimidad. Se trata de su vacío personal y del miedo a su olvido inminente. Mérito de los artistas de la expresión abstracta, que se sumergieron en la nada y se descargaron. Que les vaya bien. Pero los promotores buscaban el poder y el control de las masas; pretendían desarmar a todo aquel que buscara valor en las artes. Si Kant y la CIA pudieron convencer a la gente de bien de que el olvido es realmente lo sublime, conquistaron sus espíritus y los volvieron como los aldeanos idiotas de El traje nuevo del emperador. La CIA no luchaba contra la URSS, sino contra los estadounidenses. Del mismo modo, creo que el objetivo de Kant con su teoría de lo sublime era intimidar a las personas apasionadas, inteligentes y orientadas hacia los valores, y llevarlas mentalmente a la sumisión.

Sólo luz

Pero las buenas personas y los artistas son resistentes y tienen los valores de su parte. Basta con que caigan un par de "monedas" para despertar su mejor talento y su actitud de "no aguantar mierda". Los expresionistas abstractos (y ahora los artistas posmodernos), el ala propagandística de la CIA y los kantianos no pueden soportar NINGÚN escrutinio de luz que brille sobre ellos simplemente porque no hay nada en sus almas: ni perspicacia, ni luz, ni belleza. Es un logro agridulce quitar el velo de la cara del mal, pero la recompensa es que una vez que comprendes su BS encuentras la libertad absoluta para construir tu propia visión original irremplazable.

¡Declaración de guerra!

Dudo que haya una forma de mantener a organizaciones gubernamentales como la CIA fuera de nuestra cultura, de espabilar a los expresionistas abstractos descerebrados o de borrar la estética subjetivista de nuestra historia. La creatividad artística es una empresa muy frágil, y enfrentarse a los exponentes cínicos y sarcásticos del culto al olvido puede parecer ahogarse en un cieno viscoso. Pero en un sentido importante, dado que la creación artística es frágil, es una bendición para los verdaderos artistas: ¡tienen que ser implacables a la hora de proteger sus almas y su arte de los estafadores, los timadores y la CIA! Su integridad artística tiene que ser absoluta para sobrevivir y trascender la embestida.

Por último, algo que tienen las buenas personas y los artistas que no tienen los posmodernos, tienen la asombrosa capacidad de evolucionar, de mantener el crecimiento y de tener siempre soluciones mejores y a veces brillantes a los problemas que van surgiendo. Un logro realmente sublime.

1 Vemos así (1) que el genio es un talento para producir aquello para lo que no puede darse una regla definida; no es una mera aptitud para lo que puede aprenderse mediante una regla. Por lo tanto, la originalidad debe ser su primera propiedad. (2) Pero puesto que también puede producir tonterías originales, sus productos deben ser modelos, es decir, ejemplares; y por consiguiente no deben surgir de la imitación, sino que deben servir como norma o regla de juicio para los demás. (3) No puede describir o indicar científicamente cómo obtiene sus productos, pero da la regla igual que la naturaleza. De ahí que el autor de un producto del que es deudor a su genio no sepa él mismo cómo ha llegado a sus Ideas; y no tiene el poder de concebir lo semejante a su antojo o de acuerdo190 con un plan, y comunicarlo a otros en preceptos que les permitan producir productos semejantes. (De ahí que sea probable que la palabra genio se derive de genio, ese peculiar espíritu guía y guardián dado al hombre en su nacimiento, de cuya sugestión proceden estas Ideas originales).

(4) La Naturaleza, por medio del genio, no prescribe reglas a la Ciencia, sino al Arte; y a éste sólo en cuanto ha de ser Arte bello.(Crítica del Juicio, trad. J. H. Bernard.)

Más información:

"El arte moderno era un arma de la CIA" por Frances Stonor Saunders 22/10/1995

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SOBRE EL AUTOR:

Michael Newberry

Michael Newberry, nacido en 1956, es un pintor neorromántico estadounidense afincado en Idyllwild, California. Combina diversas influencias, entre las que destacan Rembrandt y los impresionistas franceses. Sus principales obras suelen ser lienzos de tamaño natural. Ha expuesto en Nueva York, Los Ángeles, Santa Mónica, Roma, Atenas y Bruselas. Sus obras son coleccionadas por personajes de renombre internacional como el diseñador Chan Luu y el filósofo Stephen Hicks. Biografía completa y currículum con enlaces a importantes obras de arte, artículos y presentaciones. https://newberryarchive.wordpress.com/bio/

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